TAREA:
- Puesta en escena de una obra de teatro.
PROCEDIMIENTO:
1º FASE DE INVESTIGACIÓN.
+ Definición e historia del teatro.
+ Elementos del teatro:
Texto: "Vida, pasión y muerte de la vecina de enfrente".Autor:Javier VillafañeDirección- Actuación- Vestuario
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Maquillaje.+ El teatro como arquitectura.
+ Vocabulario.>>>>VOCABULARIO TEATRAL
2º FASE DE DESARROLLO.
- Elección del texto>> "Vida, pasión y muerte de la vecina de enfrente".Autor: Javier Villafañe.
- Reparto de los personajes.
- Teatro leído.
- Comprensión lectora de la obra.
- Expresión escrita: Argumento de la obra.
- Mapa mental.
- Descripción de los personajes y del escenario.
- Diseño del escenario y descripción del paisaje.
- Elaboración de un diccionario del teatro.
- Diseño y elaboración de las entradas.
- Preparación de las invitaciones.
- Resolución de problemas con los precios de las entradas.
DEFINICIÓN:
DEFINICIÓN DETEATRO
El término teatro procede del griego theatrón, que puede traducirse como el espacio o el sitio para la contemplación.
Por otra parte, el concepto de teatro se utiliza:
- Para nombrar al género literario constituido por obras,generalmente dialogadas, destinadas a ser representadas ante un público en un escenario.Este arte, por lo tanto, combina diversos elementos, como los gestos, el discurso, la música, los sonidos y la escenografía.
- Y también al edificio donde se representan las piezas teatrales.
Quienes escriben obras de teatro son conocidos como dramaturgos.
HISTORIA:
Historia y evolución del Teatro Universal
- Nacimiento del teatro
- Primer período: teatro griego y romano
- Teatro medieval
- Teatro del Renacimiento
- Teatro del siglo XVIII
- Teatro del siglo XIX
- Teatro del siglo XX
- El teatro en Latinoamérica
- El teatro oriental
- Resumiendo
0) INTRODUCCIÓN
El teatro es un género literario, ya sea en prosa o en verso, normalmente dialogado, concebido para ser representado; las artes escénicas cubren todo lo relativo a la escritura de la obra teatral, la interpretación, la producción, los vestuarios y escenarios. El término drama viene de la palabra griega que significa "hacer", y por esa razón se asocia normalmente a la idea de acción. En términos generales se entiende por drama una historia que narra los acontecimientos vitales de una serie de personajes. Como el adjetivo dramático indica, las ideas de conflicto, tensión, contraste y emoción se asocian con drama.
El teatro se ha utilizado como complemento de celebraciones religiosas, como medio para divulgar ideas políticas o para difundir propaganda a grandes masas, como entretenimiento y también como arte.
Una representación consta sólo de dos elementos esenciales: actores y público. La representación puede ser mímica o utilizar el lenguaje verbal. Los personajes no tienen por qué ser seres humanos; los títeres o el guiñol han sido muy apreciados a lo largo de la historia, así como otros recursos escénicos. Se puede realzar una representación por medio del vestuario, el maquillaje, los decorados, los accesorios, la iluminación, la música y los efectos especiales. Estos elementos se usan para ayudar a crear una ilusión de lugares, tiempos, personajes diferentes, o para enfatizar una cualidad especial de la representación y diferenciarla de la experiencia cotidiana.
1) NACIMIENTO DEL TEATRO
El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI a.C. Allí, los atenienses celebraban los ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales irían luego evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los grandes logros culturales de los griegos. Lo cierto es que este nuevo arte estuvo tan estrechamente asociado a la civilización griega que cada una de las ciudades y colonias más importantes contó con un teatro.
2) PRIMER PERÍODO: TEATRO GRIEGO Y ROMANO
Las cuatro formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la comedia y el mimo. Mientras que las dos primeras estaban consideradas las más civilizadas, acordes con un espectador adulto, las dos últimas se asociaban con lo primitivo, y por tanto eran más apropiadas para un público infantil.
Los actores, todos hombres, iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras que permitían la visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la característica del personaje.
La tragedia es una representación dramática capaz de conmover y causar pena, que tiene un desenlace funesto, es el género en el cual descollaron los escritores griegos ESQUILO, SÓFOCLES y EURÍPIDES.
Aquí se presentan algunas características de la tragedia:
a) Las obras son solemnes, escritas en verso y estructuradas en escenas (episodios) entre personajes (nunca hay más de tres actores hablando en una escena) e intervenciones del coro en forma de canciones (odas).
b) Las historias están basadas en su mayoría en mitos o antiguos relatos, aunque el objetivo no fuera simplemente volver a contar esas historias (sobre las que los poetas se tomaban frecuentes libertades), sino hacer consideraciones sobre el carácter de los personajes, el papel de la humanidad en el mundo y las consecuencias de las acciones individuales.
c) Por lo general, eran obras de poca acción y los hechos se relataban a través de diálogos y canciones del coro.
La comedia se desarrolló hacia la mitad del siglo V a.C. Las comedias más antiguas que se conservan son las de ARISTÓFANES. Tienen una estructura muy cuidada derivada de los antiguos ritos de fertilidad. Su comicidad consistía en una mezcla de ataques satíricos a personalidades públicas del momento, atrevidos chistes escatológicos y parodias aparentemente sacrílegas de los dioses. Para el siglo IV a.C. la comedia había sustituido a la tragedia como forma dominante.
TEATRO ROMANO
El teatro propiamente romano no se desarrolló hasta el siglo III a.C. Aunque la producción teatral se asociara en principio con festivales religiosos, la naturaleza espiritual de estos acontecimientos se perdió pronto; al incrementarse el número de festivales, el teatro se convirtió en un entretenimiento. Por eso, no es de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El gran periodo de creación dramática romano empezó en el siglo II a.C. y estuvo dominado por las comedias de PLAUTO y TERENCIO, que eran adaptaciones de la comedia nueva griega. Las obras se basaban en una intriga de carácter local, aunque las de Terencio también aportaban un valor didáctico. La estructura de las piezas era muy dinámica y del gusto del público, y además solían cantarse muchas partes de la obra.
Este primer período en teoría teatral occidental se denomina clásico, porque comprende el teatro de las civilizaciones clásicas, de las antiguas Grecia y Roma, y las obras están escritas en las lenguas clásicas, griego o latín.
Alrededor del final del siglo II d.C., el teatro literario había entrado en declive y fue sustituido por otros espectáculos y entretenimientos más populares. La Iglesia cristiana emergente atacó el teatro romano, en parte porque los actores y actrices tenían fama de libertinos, y en parte porque los mimos satirizaban con frecuencia a los cristianos. Estos ataques contribuyeron al declive del teatro así como a considerar a las personas que participaban en él como inmorales. Con la caída del Imperio romano en el 476 d.C., el teatro clásico decayó en Occidente; la actividad teatral no resurgió hasta 500 años más tarde. Sólo los artistas populares, conocidos como juglares y trovadores en el mundo medieval, sobrevivieron y proporcionaron un nexo de continuidad.
3) TEATRO MEDIEVAL
El teatro español, como el europeo, surge vinculado al culto religioso. La misa, celebración litúrgica central en la religión cristiana, es en sí misma un ‘drama’, una representación de la muerte y resurrección de Cristo. Serán los clérigos los que, en su afán didáctico por explicar los misterios de la fe a los fieles mayoritariamente incultos y analfabetos, creen los primeros diálogos teatrales: los tropos, con los que escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia. Estas representaciones, que tenían lugar dentro de las iglesias, en el coro o parte central de la nave, se fueron haciendo más largas y espectaculares dando lugar a un tipo de teatro religioso que fue el teatro medieval por excelencia. Poco a poco se fueron añadiendo elementos profanos y cómicos a este tipo de representaciones que, por razones de decoro, terminaron por abandonar las iglesias y comenzaron a realizarse en lugares públicos: en los pórticos y atrios de las iglesias, plazas, calles y cementerios.
En el siglo XIV, el teatro se emancipó del drama litúrgico para representarse fuera de las iglesias especialmente en la fiesta del Corpus Christi y evolucionó en ciclos que podían contar con hasta 40 dramas. Algunos estudiosos creen que, aunque similares a los dramas litúrgicos, los ciclos surgieron de forma independiente. Eran producidos por toda una comunidad cada cuatro o cinco años. Las representaciones podían durar de dos días a un mes. De la producción de cada obra se encargaba un gremio que intentaba que el tema tuviera que ver con su ocupación laboral; así los trabajadores de los astilleros podían, por ejemplo, escenificar una obra sobre Noé.
Como los intérpretes eran con frecuencia aficionados y analfabetos, las obras se escribían en forma de copla de fácil memorización; no se conocen los nombres de los dramaturgos.
Durante este periodo, surgieron obras folclóricas, farsas y dramas pastorales (siempre de autores anónimos) y, por supuesto, persistían varios tipos de entretenimientos populares. Todo esto influyó en el desarrollo de los autos durante el siglo XV. Aunque extrajeran trama y personajes de la teología cristiana, los autos diferían de los ciclos religiosos en el hecho de que no se trataba de episodios bíblicos, sino alegóricos, y estaban representados por profesionales como los trovadores y juglares.
4) TEATRO DEL RENACIMIENTO
La Reforma protestante puso fin al teatro religioso a mediados del siglo XVI, y un nuevo y dinámico teatro profano ocupó su lugar. Aunque los autos y los ciclos con su simplicidad parezcan estar muy lejos de los dramas de Shakespeare y Molière, los temas de la baja edad media sobre la lucha de la humanidad y las adversidades, el giro hacia temas más laicos y preocupaciones más temporales y la reaparición de lo cómico y lo grotesco contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro. Además, la participación de actores profesionales en las obras fue sustituyendo poco a poco a los entusiastas aficionados.
Como los métodos de producción y representación clásicos no se conocían perfectamente, el teatro del renacimiento tomó una forma totalmente nueva con algunos visos de clasicismo. Esta fórmula se conoce generalmente como neoclasicismo.
Las primeras muestras de teatro renacentista en Italia datan del siglo XV. Las primeras obras eran en latín, pero acabaron por escribirse en lengua vernácula y solían estar basadas en modelos clásicos. Este teatro no fue una evolución de las formas religiosas, ni siquiera de las prácticas populares o dramáticas ya existentes; se trataba de un proceso puramente académico. Eran obras pensadas para ser leídas, aunque fuera por varios lectores y en público, y con fines didácticos.
Las elaboradas exhibiciones escénicas y las historias alegóricas de los intermezzi, en conjunto con los continuados intentos de recrear la producción clásica, llevaron a la creación de la ópera a finales del siglo XVI. Aunque el primer teatro de corte clasicista tenía un público limitado, la ópera se hizo muy popular. A mediados del siglo XVII, se estaban construyendo grandes teatros de la ópera en Italia.
Mientras la Élite se entretenía con el teatro y el espectáculo de estilo clasicista, el público en general se divertía con la commedia dell'arte, un teatro popular y vibrante basado en la improvisación.
A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa. Este fenómeno dificultó el establecimiento total del drama renacentista. En aquel tiempo no existían en París edificios expresamente dedicados al teatro; se utilizaban con ese propósito recintos destinados al juego de pelota. La fuerte influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones que fueron denominados ballets.
Molière está considerado como el gran dramaturgo francés. Sus farsas y comedias de costumbres reciben en su mayoría una influencia directa de la commedia dell’arte, pero generalmente van más allá de su objetivo específico y podrían considerarse como observaciones sobre las limitaciones y errores del género humano. Muchas de sus obras están imbuidas de una cierta amargura.
Molière fue también un actor cómico de excepción en su tiempo, y trabajó con el objetivo de alterar el estilo histriónico y ampuloso que entonces dominaba la escena francesa.
TEATRO ISABELINO INGLÉS Y DE LA RESTAURACIÓN
El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I a finales del siglo XVI. En aquel tiempo, se escribían tragedias academicistas de carácter neoclásico que se representaban en las universidades; sin embargo, la mayoría de los poetas isabelinos tendían a ignorar el neoclasicismo o, en el mejor de los casos, lo usaban de forma selectiva. A diferencia del teatro continental (creado con el objetivo de ser presentado ante un público de elite) el teatro inglés se basó en formas populares, en el vital teatro medieval, y en las exigencias del público en general.
Las obras se representaban durante los meses más cálidos en teatros circulares y al aire libre.
Bajo la influencia del clima de cambio político y económico en la Inglaterra del momento, así como de la evolución de la lengua, dramaturgos como Thomas Kyd y Christopher Marlowe dieron lugar al nacimiento de un teatro dinámico, épico y sin cortapisas que culminó en el variado y complejo trabajo del más grande genio del teatro inglés, WILLIAM SHAKESPEARE.
El siglo XVII fue el Siglo de Oro del teatro en España. Este siglo acota uno de los periodos más fértiles de la dramaturgia universal, si bien la propia forma de denominar esta época ha sido conflictiva de unos países a otros.
Se crean las primeras salas teatrales llamadas corrales de comedias, que eran gestionadas por las hermandades, verdaderos precedentes del empresario teatral moderno. Van a proliferar los autores, las obras y las compañías. El teatro deja de ser un acontecimiento restringido para convertirse en un producto competitivo, sujeto a las leyes de la oferta y la demanda. Un interesante debate teórico acompaña el nacimiento y desarrollo de esta forma nueva de entender el teatro. Dos autores de la época nos sirven para ilustrar el sentido y la evolución de este debate y del arte teatral: CERVANTES y LOPE DE VEGA.
5) TEATRO DEL SIGLO XVIII
El teatro del siglo XVIII era, básicamente, y en gran parte de Europa, un teatro de actores. Estaba dominado por intérpretes para quienes se escribían obras ajustadas a su estilo; a menudo estos actores adaptaban clásicos para complacer sus gustos y adecuar las obras a sus características. Las obras de Shakespeare, en especial, eran alteradas hasta no poder ser reconocidas no sólo para complacer a los actores sino, también, para ajustarse a los ideales neoclásicos. A El rey Lear y Romeo y Julieta, por ejemplo, se les cambiaron los finales trágicos por unos felices, anulando por lo tanto la intencionalidad del autor.
6) TEATRO DEL SIGLO XIX
A lo largo del siglo XVIII ciertas ideas filosóficas fueron tomando forma y finalmente acabaron fusionándose y cuajando a principios del siglo XIX, en un movimiento llamado romanticismo.
El romanticismo apareció en primer lugar en Alemania, un país con poca tradición teatral antes del siglo XVIII, aparte de rústicas farsas. Alrededor de 1820, el romanticismo dominaba el teatro en la mayor parte de Europa.
El teatro romántico español buscó la inspiración en los temas medievales y presenta a un héroe individual dominado por las pasiones, ya sean éstas virtuosas o viciosas. Se recuperan las formas y estructuras del teatro del Siglo de Oro pero con una maquinaria escénica y efectos escenográficos suntuosos y aparatosos. La voz engolada y el verso rotundo triunfa en el teatro romántico español. Su gran figura es José Zorrilla, el autor de Don Juan Tenorio. El tema del burlador es retomado con gran libertad por Zorrilla y en su entusiasmo romántico hace que sea el amor quien redime al seductor. La fuerza y encanto de este personaje y obra ha conseguido que nunca haya dejado de representarse en algún teatro español.
Las mismas fuerzas que condujeron al romanticismo también, en combinación con varias formas populares, condujeron al desarrollo del melodrama, el género dramático más arraigado en el siglo XIX. El melodrama como literatura es a menudo ignorado o ridiculizado, cuando menos desdeñado por los críticos, porque aporta imágenes de villanos que se atusan el bigote o heroínas sujetas a vías de tren.
Proponía una recreación de lo local y de la vida en el hogar. El espectador debía tener la impresión de asistir a un hecho real y a ello vino a contribuir el escenario de tres paredes con el objetivo de que el público observe a través de la imaginaria cuarta pared.
NATURALISMO Y CRÍTICA SOCIAL
A mediados del siglo XIX el interés por el detalle realista, las motivaciones psicológicas de los personajes, la preocupación por los problemas sociales, condujo al naturalismo en el teatro. Acudiendo a la ciencia en busca de inspiración, los naturalistas sintieron que el objetivo del arte, como el de la ciencia, debía ser el de mejorar nuestras vidas. Los dramaturgos y actores, como los científicos, se pusieron a observar y a retratar el mundo real.
El naturalismo es responsable en gran medida de la aparición de la figura del director teatral moderno. Aunque todas las producciones teatrales a lo largo de la historia fueron organizadas y unificadas por un individuo, la idea de un director que interpreta el texto, crea un estilo de actuación, sugiere decorados y vestuario y da cohesión a la producción, es algo moderno.
Las obras demuestran problemas sociales como la enfermedad genética, la ineficacia del matrimonio como institución religiosa y social, y los derechos de las mujeres, pero también son valiosos por sus convincentes estudios de individuos.
7) TEATRO DEL SIGLO XX
Desde el renacimiento en adelante, el teatro parece haberse esforzado en pos de un realismo total, o al menos en la ilusión de la realidad. Una vez alcanzado ese objetivo a finales del siglo XIX, una reacción antirrealista en diversos niveles irrumpió en el mundo de la escena.
Los simbolistas hicieron una llamada a la "desteatralización" del teatro, que se traducía en desnudar el teatro de todas sus trabas tecnológicas y escénicas del siglo XIX, sustituyéndolas por la espiritualidad que debía provenir del texto y la interpretación. Los textos estaban cargados de simbología de difícil interpretación, más que de sugerencias. El ritmo de las obras era en general lento y semejante a un sueño.
El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX, principalmente en Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un mundo de pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza por la distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra.
Quizás se deba a la influencia de Antonin Artaud la aparición de una serie de grupos de teatro durante la década de 1960. Como ejemplo podemos citar al Teatro Laboratorio de Jerzy Grotowski y el Teatro de la Crueldad de Peter Brook.
De la segunda guerra mundial nació el teatro del absurdo, el sentido de lo absurdo que hizo llevadero un mundo destruido y desilusionado. Lo absurdo, lo que carece de lógica, lo que de ningún modo se puede vincular o relacionar con un texto dramático o un contexto escénico, es lo característico de este teatro en el que no hay acciónconsecuente, ni caracteres, porque la vida misma de los personajes carece de sentido.
El teatro realista continuó vivo en el ámbito comercial, sobre todo en Estados Unidos. Sin embargo, el objetivo parecía ser el realismo psicológico, y se emplearon para este fin recursos dramáticos y escénicos no realistas. Existen obras basadas en la memoria, secuencias sobre sueños, personajes puramente simbólicos, proyecciones y otros recursos similares. Incorporan diálogos poéticos y un fondo sonoro cuidadosamente orquestado para suavizar el realismo crudo. La escenografía era más sugerente que realista.
En la década de 1920 los musicales surgieron a partir de una libre asociación en forma de serie de canciones, danzas, piezas cortas cómicas basadas en otras historias, que algunas veces eran serias, y se contaban a través del diálogo, la canción y la danza. Un grupo a cargo de Richard Rodgers y Oscar Hammerstein II perfeccionó esta forma en la década de 1940. Ya durante la década de 1960 gran parte del espectáculo había dejado el musical para convertirse en algo más serio, incluso sombrío. A finales de la década siguiente, sin embargo, posiblemente como resultado de crecientes problemas políticos y económicos (de los que el público deseaba escapar), volvieron los musicales (muchos de ellos reposiciones) bajo un signo de desmesura y lujo, haciéndose hincapié en la canción, el baile y la comedia fácil.
8) EL TEATRO EN LATINOAMÉRICA
Se tienen pocas y vagas nociones de cómo pudieron haber sido las manifestaciones escénicas de los pueblos precolombinos, pues la mayor parte de éstas consistían en rituales religiosos. Existe, sin embargo, un único texto dramático maya, descubierto en 1850, el Rabinal-Achi, que narra el combate de dos guerreros legendarios que se enfrentan a muerte en una batalla ceremonial. Su representación depende de distintos elementos espectaculares como el vestuario, la música, la danza y la expresión corporal.
A partir de la época colonial, el teatro se basa sobre todo en los modelos procedentes de España.
No es hasta mediados del siglo XX cuando el teatro latinoamericano ha adquirido cierta personalidad, al tratar temas propios tomando como punto de partida la realidad del espectador a quien va destinado.
El dramaturgo Augusto Boal, en Brasil, desarrolló técnicas de teatro callejero y para obreros, y es autor del texto Teatro del oprimido. Grupos como Rajatabla y La Candelaria se han preocupado además por realizar un teatro que sirva como medio de discusión de la realidad social, sin dejar al margen el aspecto espectacular y estético del drama.
9) EL TEATRO ORIENTAL
El teatro oriental en general (de la India, China, Japón y el Sureste asiático) tiene ciertas características en común que lo distinguen claramente del teatro posrenacentista occidental. El teatro asiático es presentacional, ya que la idea de representación naturalista es del todo ajena a él. Aunque los teatros de los diferentes países varían, en general son obras integradoras de las diversas artes (una realización de la idea del teatro total de Wagner) que mezclan literatura, danza, música y espectáculo.
El teatro indio en sánscrito floreció en los siglos IV y V. Las piezas, complejas y épicas, estaban estructuradas sobre la base de nueve rasas, o humores, más que en los personajes, ya que el eje de las obras eran las cuestiones espirituales. Los escenarios tenían una decoración laboriosa, pero no se usaban técnicas representacionales. Los movimientos de cada parte del cuerpo, la recitación y la canción estaban rígidamente codificadas. Las marionetas y el teatro danzado, especialmente el kathakali, han sido también muy apreciados en varios momentos de la historia de la India.
En otros lugares del Sureste asiático, el teatro de marionetas es la forma dominante, en especial el wayang kulit, o marionetas de sombras, en Java. En algunos sitios las marionetas son tan apreciadas que los actores estudian sus movimientos para imitarlos.
El teatro chino empezó a desarrollarse en el siglo XIV; era muy literario y tenía convenciones muy estrictas. Desde el siglo XIX, sin embargo, ha sido dominado por la ópera de Pekín. En ella se da una importancia primordial a la interpretación, el canto, la danza y las acrobacias más que al texto literario. De hecho, la representación puede describirse como una colección de extractos de varias obras literarias combinados con una exhibición acrobática. La acción tiende a ser oscura y el énfasis se centra en la habilidad de los actores. El escenario es una plataforma desnuda con el mobiliario estrictamente necesario. Las acciones son estilizadas, los papeles codificados y el maquillaje es elaborado y grotesco; los colores son simbólicos. Bajo el gobierno comunista la temática ha cambiado, pero el estilo ha seguido siendo más o menos el mismo.
El teatro japonés comenzó en el siglo VII (d.C.) y es quizá el más complejo de Oriente. Sus dos géneros más conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es estilizado; la síntesis de danza-música-teatro extremadamente controlada intenta evocar un ánimo particular a través del relato de un hecho o historia. Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del nô tuvo lugar en el siglo XV. El kabuki data del siglo XVI y es más popular en estilo y contenido. Otros géneros dramáticos japoneses son el bugaku, un refinado teatro danzado, así como un teatro de marionetas o muñecos llamado bunraku, en el que los intérpretes sobre el escenario manipulan unas marionetas casi de tamaño natural. Todas las formas dramáticas se apoyan en el ritual, la danza y la tradición. Son elegantes y bellas, y ponen el énfasis en valores opuestos a los del teatro occidental.
ESPACIO:
TEATRO PÉREZ GALDÓS, LAS PALMAS DE G.C.
Maqueta realizada por alumnado de la Escuela de Arte.
Maqueta de l'Opéra Garnier de París,en el Musée D'Orsay.
Diferentes decorados para las escenas de Macbeth.
Entrada principal del teatro Pérez Galdós.
Interior parte escénica.
Relación de diapositivas
- 1. PARTES DE UN TEATRO MODERNO
- 2. ESCENARIO
- 3. FORO
- 4. PROSCENIO
- 5. PARRILLA
- 6. TELÓN DE BOCA
- 7. TELÓN DE FONDO
- 8. FOSO
- 9. TABLADO/PISO
- 10. TRAMPILLA/ESCALÓN
- 11. CHACEA
- 12. PUENTES
- 13. CAMERINOS
- 14. CAJA ESCÉNICA
- 15. PATIO DE BUTACAS
- 16. PALCO
- 17. TELAR
- 18. DIABLA
- 19. CANDILEJA
- 20. TRAMOYA
- 21. BAMBALINAS
PARTES DE UN TEATRO
ARCO DEL PROSCENIO O BOCA DE ESCENA
La abertura en el proscenio por la que el público ve la escena.
ESCENARIO
Área de trabajo limitada por el decorado.
FORO
Toda la parte situada detrás del arco del proscenio.
PARRILLA
Estructura de vigas de madera delgadas o de viguetas de hierro para fijar las poleas del telar y soportar el peso de los telones.
PROSCENIO
Espacio sobre el escenario que queda delante del telón de boca.
TELAR
Estructura de madera o de acero colocada arriba del escenario. Se usa para sostener y elevar el decorado.
TELÓN DE BOCA
Cortina corta colgada sobre el escenario para ocultar las bambalinas.
TELÓN DE FONDO
Gran superficie plana (generalmente de tela) colocada al fondo del escenario y pintada para sugerir la localización de la escena.
TEATROS DEL MUNDO
Una noche en los mejores teatros del mundo
1. Ópera Garnier de París.
Estás a punto de entrar en uno de los edificios del planeta que más historias por contar colecciona. Si las paredes hablaran, podrían mantener tu mente ocupada muchas horas, aunque en realidad ya lo hacen, no tienes más que vestirte para pasar una noche de ópera y dejar que la historia sume otro capítulo. Pero antes disfruta de una fachada espectacular que incluso llama la atención en una ciudad tan cargada de arte como es la capital del Sena. Una especie de merengue arquitectónico que vio la luz en 1875 cuando Francia vivía con suntuosidad cortesana su Segundo Imperio. Para ponerle la guinda, en 1962 Marc Chagall creó los frescos del techo del Palais Garnier detalle que supo situar al edificio en la parte más elegante del siglo XX.
2.El Bolshoi (Moscú): un superviviente nato.
De nuevo un nombre que con solo pronunciarlo ya suena a música clásica. Uno de los teatros más famosos del mundo. Una cita ineludible si quieres disfrutar además de una de las orquestas más celebradas de todos los tiempos. El Bolshoi además es un superviviente nato, ha pasado por el fuego, la guerra y la revolución. Su espectacular fachada neoclásica es solo un anticipo de su impresionante interior, con sillas tapizadas en damasco rojo y madera de Chippendale. Si además te gusta el ballet, no lo dudes, te mereces ese capricho.
3.Ópera de Oslo: un nuevo concepto de lujo operístico.
Excelente ejemplo de cómo invertir el dinero del petróleo del Mar del Norte, que fue decisivo para levantar este modernísimo edificio en 2008, inaugurando así un nuevo concepto de lujo operístico. Para empezar, cada asiento cuenta con una pantalla que ofrece subtítulos de la ópera que se represente en ocho idiomas, así que quedan pocas excusas para no disfrutar de una noche inolvidable. Si llegas de día, no olvides darte una vuelta por la terraza, disfrutarás de una magnífica vista sobre el puerto y los fiordos de Oslo.
4.Ópera Real de Versalles (París): un canto al ingenio arquitectónico.
El interior del Teatro de la Opera del opulento palacio de Versalles es un canto al ingenio arquitectónico. Las paredes de madera fueron pintadas a semejanza del mármol y salvo que te fijes mucho apenas notarás el cambio. El dorado que parece flotar en todo el ambiente versallesco se funde perfectamente en el auditorio con los tonos pastel de sus paredes y el azul de su telón. Aquí pasan cosas extraordinarias, parece estar escrito en alguna parte. Para empezar estate atento a sus juegos de espejos, que multiplican determinados puntos de su interior. Para continuar, ten en cuenta que el teatro fue creado en 1769 para honrar el matrimonio del Delfín de Francia, el futuro Luis XVI con la princesa austríaca María Antonieta, que, aunque no tuvieron un final muy feliz, sí pudieron disfrutar de más de una inolvidable noche de ópera. Hoy la ópera de Versalles es un lugar privilegiado para celebrar galas y otros eventos especiales.
5.The Royal Opera House (Londres): el teatro de George Handel.
En plena plaza de Covent Garden, rodeado de tiendas, bares de moda y alborotados transeúntes, el edificio de la ópera de Londres es un oasis en el inevitable ajetreo de una de las ciudades más vanguardistas del mundo. Y es el tercero, porque en esta ubicación existió un Teatro de la ópera desde comienzos del siglo XVIII. La estrella invitada siempre ha sido George Handel, que además de representar aquí su obra por primera vez, lo visitó cada temporada desde 1735 hasta 1759.
6.Sydney Opera House (Sidney): un emblema contemporáneo.
Su impresionante exterior es un emblema mundial de la arquitectura contemporánea. Una silueta blanca que destaca en el azul púrpura del puerto, donde las velas y las conchas recuperan todo su esplendor marino de la mano de su creador Jorn Utzon. Su gran inauguración tuvo lugar en 1973 y desde entonces es uno de los edificios más emblemáticos del siglo XX. Si tienes la oportunidad de verlo, seguro que no te resistes a la tentación de vivirlo.
7.Lincoln Center (Nueva York): la quintaesencia del glamour cultural.
El mítico hogar de la Metropolitan Opera, la New York Philharmonic y el New York City Ballet es la quintaesencia del glamour cultural de una ciudad que se precia de conocer bien todas sus vanguardias. El nuevo Met sustituye al viejo Met, que finalmente fue demolido. El nuevo vio la luz en 1966 y se estrenó con la ópera de Samuel Barber, Antonio y Cleopatra. El edificio es obra del arquitecto Wallace K. Harrison y es el auditorio de su tipo más grande del mundo, con capacidad para casi 4000 personas. Ser parte de un aforo completo es una experiencia inolvidable.
Jazz at Lincoln Center Rose Theatre
David geffen hall lincoln center
8.Teatro Colón (Buenos Aires): un reclamo muy exquisito.
Este magnífico Teatro lleva la firma artística de un buen número de arquitectos. Y cada uno dejó su impronta. Quizá por eso su altivo porte siempre haya sido un reclamo para la clientela más exquisita y para los artistas más buscados.Terminado en 1908, emula a los grandes teatros europeos pero cuenta con un indiscutible toque colonial. Desde 2006 a 2010 vivió una completa reforma que le devolvió todo su esplendor sin restarle un ápice de calidad a su acústica.
9.Gran Teatro del Liceo: el teatro más prestigioso de Barcelona.
Conocido simplemente como el Liceo es el teatro más antiguo y prestigioso de Barcelona, especialmente cuando se habla de ópera. Situado en el corazón de la Rambla, abrió sus puertas en 1847 y durante casi dos siglos ha sido un lugar de encuentro privilegiado entre el poder, la nobleza y la burguesía catalana que nunca faltaban a sus noches en el Liceo en los pisos bajos. En 1994 fue asolado por un incendio y la profunda conmoción que causó en la sociedad catalana reescribió su historia y consiguió que volviera abrir sus puertas en 1999. Hoy es sin duda un buen lugar para dejarse llevar por las pasiones de una ópera interpretada por los mejores artistas del momento.
10.La Scala (Milán): el teatro más famoso del mundo.
Probablemente el teatro más famoso del mundo, el primero que nos viene a la cabeza cuando hablamos de ópera. Desde 1778, el hogar de Rossini, Bellini, Donizetti y Verdi, entre otros. El golpe de genialidad se lo regala el túnel excavado bajo el suelo de madera de la orquesta, según los entendidos, el culpable de que su acústica roce la perfección. Tomar un aperitivo en las elegantes calles de Milán y terminar la noche en la Scala es un placer que no deberías negarte.
11.Ópera Estatal de Viena: un canto a la libertad.
Una de las más famosas y también una de las bellas. Presidiendo una despejada plaza en pleno centro de la ciudad, sintetiza la dramática elegancia del bell canto. Lo cierto es que no pudo tener mejor arranque, fue inaugurada en 1869 con la representación de Don Giovanni, de Mozart. A pesar de todo la guerra no pasó de largo y a finales de la Segunda Guerra Mundial, concretamente en marzo de 1945, buena parte quedó destruida por un bombardeo aliado. La gran escalera fue la gran superviviente y hoy el edificio muestra una excelente muestra fotográfica de su orgullo herido. El Teatro reabrió sus puertas tras la ocupación rusa y para celebrar su vuelta a la vida eligió representar Fidelio de Beethoven, un canto a la libertad.
12.Teatro di San Carlo (Nápoles): el Teatro en activo más antiguo del mundo.
Magnífica bombonera en rojo y oro, el Teatro en activo más antiguo del mundo y, hasta que llegó la Scala, el más prestigioso de Italia. Fue construido en 1737 y desde entonces es un emblema de la ciudad y un símbolo de su modo de vida. Entre el caos metropolitano de Nápoles y su inevitable arrullo mediterráneo, encontrarás un hueco para viajar en el tiempo e imaginar el ambiente cuando Rossini presentó algunas de sus mejores óperas.
13.Teatro Principal de Mahón (Menorca): el más antiguo de España.
Es el Teatro de ópera más antiguo de España. Construido en 1869 por el arquitecto italiano Giovanni Palaggi, este año está de enhorabuena tras recibir la Medalla de oro de las Bellas Artes. El Teatro, apenas encajado en el recoveco de una callejuela del centro de Mahón, es una bombonera perfecta y sabiamente rehabilitada. La temporada de ópera en la isla de Menorca es un acontecimiento social para todos los públicos y la historia del teatro, desde sus inciertos orígenes allá por el siglo XVII hasta nuestros días, un buen motivo para escaparse a esta isla privilegiada.
14.Teatro Manoel (Valletta,Malta): el tercer teatro más antiguo de Europa.
El tercer teatro más antiguo de Europa sigue funcionando para mayor gloria de los malteses que defienden esta joya arquitectónica de su capital con una programación cuidada y de calidad donde por supuesto no falta la ópera. Es el hogar de la Orquesta filarmónica nacional de Malta, un motivo más para dejar que la música clásica genere un recuerdo imborrable de nuestro paso por la fascinante Isla de Malta. Fue precisamente uno de sus caballeros el Gran Maestro portugués Antonio Manoel de Vilhena quien encargó el teatro en 1731 y se personalmente financió la construcción para que sirviera de recreación para la gente honesta.
15.Teatro Real de Madrid.
El Teatro Real es el teatro de la ópera de Madrid, considerado uno de los más importantes de España y Europa. Se encuentra situado en la Plaza de Oriente, frente al Palacio Real, y es uno de los monumentos más emblemáticos de la ciudad.
16. Teatro Nacional de Munich.
Teatro Cuvilliés, joya del rococó alemán.
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